Graffiti et galeries : entretien avec l’artiste Jamie Preisz

Mon exposition préférée est également née grâce à ma peinture à  l’aérosol. Il y a ce gars qui s’appelle Arthur Stace, qui est célèbre parce que les gens le voient comme le premier street-artist. Il est ce que vous appelez maintenant un Outsider Artist, il était là dans les années 1930 et il écrivait « Eternity » partout à la craie blanche. Même lors des Jeux olympiques de 2000, « Eternity »  a été écrit dans les feux d’artifice au-dessus du pont du port. Après cela, l’artiste australien Martin Sharp — qui a fait la couverture de l’album de Cream — voulait rendre hommage à Arthur Stace et inclure des travaux de certains street artists. J’étais très actif à Sydney à l’époque, Martin m’a contacté, et j’ai fait quelques nouvelles pièces pour l’exposition « Eternity » à la galerie Damien Minton. C’était une exposition importante pour moi, et l’une des plus grandes expositions commerciales que j’ai faites jusqu’à présent.

Pouvez-vous nous parler de votre travail ?

Je navigue constamment entre les mediums parce que je trouve généralement mon inspiration en dehors de la peinture et du dessin ; j’essaie de trouver des concepts dans les livres que je lis par exemple, cela vient probablement de mes cours de philosophie. J’essaie alors d’en extraire de nouvelles choses. Malgré le fait que mon travail soit généralement visuellement et esthétiquement varié, il y a toujours un lien conceptuel derrière l’ensemble. Mon travail est parfois perçu comme sombre ou morbide, mais je ne le vois pas nécessairement de cette manière, mais si c’est le cas, c’est parce que réaliser des œuvres relativement sombres peut être un processus méditatif.

Selon vous quelles sont les principales difficultés que doit affronter un artiste australien de nos jours ?

Il y en a plusieurs : premièrement vous devez décider clairement que vous voulez être un artiste — de nombreuses personnes sont très intéressées à être artistes,  sans se rendre vraiment compte de la charge de travail que cela représente.

L’image de l’artiste a été idéalisée à travers l’histoire et dans les médias, mais l’idée que les gens se font de la vie d’artiste et la réalité sont réellement deux choses complètement différentes. Il est également difficile pour les jeunes diplômés de trouver leur propre voie, il est très facile d’imiter un style et puis essayer d’y ajouter un concept. Cependant, je pense que ce qui est particulièrement difficile en Australie — en étant diplômé ici— c’est que vous n’avez pas beaucoup de perspectives,  nous avons une très courte histoire de l’art.

Bien qu’il y ait des artistes reconnus internationalement, du fait de cette très courte histoire de l’art, j’ai le sentiment que l’Australie n’accepte pas ses propres artistes. Je crois que, pour réussir ici en tant qu’artiste, il faut aller à l’étranger et y être reconnu pour être finalement pris au sérieux ici. Il y a un peu un « Poppy Syndrom », les gens de talents sont sans cesse dénigrés. Les Australiens aiment les outsiders ; un artiste est vraiment bon quand il ne fait pas d’argent, mais dès qu’il obtient un succès financier, tout le monde le déteste —  je reçois de nombreux courrier haineux en ce moment.

Quel est le rôle des écoles d’art, et en tant que diplômé comment savez-vous ce que les gens attendent des jeunes artistes?

C’est une question difficile et je pense que chaque artiste a une expérience tout à fait personnelle. J’ai appris beaucoup d’autres artistes mais aussi de l’école. En ce qui me concerne,  j’avais déjà un nom dans la scène du graffiti et c’est ce qui m’a permis d’intégrer le monde de l’art. Aujourd’hui si vous n’avez pas eu une exposition avec quelqu’un qu’ils jugent à leur niveau, il est vraiment difficile  d’être exposé et vous devez avoir eu de nombreuses expositions avant de commencer à vendre des travaux. Mais je pense que le monde de l’art est simplement à la recherche d’honnêteté et d’authenticité de la part des artistes. Il est si facile de faire semblant d’être un artiste de nos jours!

Les écoles d’art sont vraiment quelque chose de surprenant,  en Australie 80 % des diplômés des écoles d’art ne poursuivent pas cette voie par la suite ; c’est une énorme proportion de personnes qui ont essentiellement gaspillé beaucoup d’argent. Quant à l’élitisme de l’école d’art, je n’ai pas ce sentiment. Les galeries ne me demandent pas souvent où j’ai étudié.

C’est aussi propre à la peinture à la bombe : vous n’apprenez pas ça à l’école. J’ai vraiment beaucoup appris de mes études et l’ai appliqué au street art,  j’ai vraiment ce mélange d’autodidacte et d’éducation institutionnelle, qui portait sur la manière de voir les choses d’une manière plus profonde.

J’étais plus intéressé par l’aspect théorique. Dans la peinture à la bombe il n’y a pas d’élitisme — c’est de l’art pour tous, mais dans les galeries les choses sont très différentes. Dans les grandes galeries commerciales les gens vous regardent de haut si vous n’avez pas au moins une maîtrise.

J’aime vraiment la vision que la culture japonaise a de l’artiste, ces gens insistent sur le côté technique de leur travail, ils consacrent leur vie à la perfection esthétique. Je pense que nous pouvons apprendre de cela, nous devons continuer à pousser certains concepts vers leurs limites.

Quel regard portez-vous sur les artistes autodidactes ?

Basquiat en fait partie et il est l’un de mes artistes favoris, mais je pense que son niveau et le soutien d’Andy Warhol le placent dans une catégorie à part parmi les artistes autodidactes. Moi-même,  il m’arrive d’avoir des préjugés envers les artistes autodidactes. Cela me dérange toujours quand vous voyez des gens imitant un style sans aucun concept derrière. Si vous êtes un artiste autodidacte et qu’il y a de solides concepts derrière votre travail et que vous l’exprimez, alors je n’ai aucun problème avec ça. C’était frustrant en tant qu’étudiant en art de voir d’autres personnes sans formation être exposées, mais je pense qu’à long terme, la formation acquise à l’école est relativement précieuse.

Comment gérez-vous l’aspect commercial de votre travail, à côté de l’aspect purement créatif ?

Il est tout aussi important pour moi ! Le plus drôle, c’est que vous vous rendez compte qu’il est tout aussi important que la création des peintures, même si ce n’est pas ce côté de la carrière qui vous a dans un premier temps attiré – cela fait juste partie du processus. C’est peut-être quelque chose de difficile à entendre. Au début j’ai été beaucoup aidé par l’Art Council d’Australie. Ils vous aident à évaluer votre travail même si vous êtes fraîchement sorti de l’école ; c’est un service étonnamment utile, même si vous pensez que vous devriez connaître la valeur de votre propre travail.

J’ai également parlé avec beaucoup d’autres artistes et j’ai ensuite reçu des offres par le biais de ces personnes. Par exemple, il y avait un camion que je voulais vraiment peindre – cela peut paraître idiot –, c’était un « food truck » appelé  Eat Art Truck avec un menu conçu par un chef australien. Un groupe d’artistes peignait leurs camions, et j’ai reçu un appel un jour pour me demander si je voulais participer. J’étais vraiment excité, mais ils ne voulaient pas me payer. Je suis entré en contact avec quelques-uns des artistes qui avaient déjà travaillé sur le projet et ils m’ont dit qu’ils étaient très bien payés.

J’ai fini par refuser, c’est une vraie honte, mais la société n’a pas été honnête avec moi et il faut parfois faire preuve d’assurance. Mais finalement, d’autres artistes qui ont travaillé sur le projet ont découvert que j’avais refusé, et j’ai alors commencé à recevoir des offres pour travailler sur des peintures murales.

L’aspect que je préfère dans ce milieu est l’échange entre les artistes ; non seulement vous obtenez une superbe œuvre, mais vous savez que votre travail est apprécié par cet artiste que vous respectez beaucoup. La cerise sur le gâteau, c’est que c’est un petit avantage uniquement réservé à ceux qui créent de l’art. J’ai une collection qui va du graffiti d’amis à un dessin de Peter Sharp ; il m’a donné une œuvre après avoir pris une des miennes afin d’en parler dans une conférence en Chine.

Il y a quelque chose de très honnête dans ce type d’échanges, qui est assez éloigné de ce qui peut se passer dans les maisons de ventes ; tout le monde semble gagnant. Je sais que les artistes qui ont une énorme liste d’attente emploient des assistants pour réaliser une grande partie de leurs pièces, mais pour moi, il est plus satisfaisant de créer ce que je veux quand j’en ai envie.

L’art et l’argent n’ont pas toujours à être liés ; c’est aussi pour cela que j’aime autant le street art, car cela permet de sortir du cadre des galeries. Vous pouvez offrir à un large public une réelle liberté dans la manière de voir l’œuvre.

J’aime l’idée de pouvoir voir quelque chose qui n’était pas là la veille, qui peut être sur votre trajet quotidien, vous vous arrêtez et regardez et que vous ayez une opinion positive ou négative sur l’œuvre cela vous fait prendre conscience de l’espace où vous êtes – c’est ce que j’aime dans le street art, que cela ne peut vraiment arriver qu’en dehors d’une galerie

Avec qui aimeriez-vous collaborer?

Assez étrangement avant que Martin Sharp ne soit entré en contact avec moi, c’était quelqu’un avec qui j’avais toujours eu envie d’être exposé, cela a donc été génial. Curieusement, il y a beaucoup de gens en dehors de mon milieu : j’ai collaboré avec un cinéaste irlandais, Mark Collins et nous avons fait beaucoup de choses ensemble. Il y avait un projet où j’avais peint pendant dix heures d’affilée pour terminer une toile et il a tout filmé. Pour l’exposition, le film était projeté sur la peinture, l’ensemble était vraiment sympa ; à la fin de cette boucle de dix heures, la peinture et la projection correspondaient parfaitement. Ce nouveau média a apporté une toute autre dimension à l’œuvre.

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